好好学习 天天向上
 
 
 

 
摇摆少女（Swing Girls）
导演：矢口史靖
主演：上野树里 平冈祐太 竹中直人
国家：日本
日期：2004
 
记得初中三年级的时候我疯狂地迷恋着BEYOND乐队，那时候最喜欢唱的一个歌曲叫做《不再犹豫》，虽然是粤语歌词，但我至今还能从头到尾唱下来，有一句是：“问句天几高，心中志比天更高，自信打不死的心态活到老。”多么感人的豪言壮语啊，正好符合了当年愣头青时代的青春气息，而这样的歌曲绝对催人奋进，所以被叫做“励志歌曲”。“励志”两个字应该就是鼓励志向的意思吧，也就是鼓励你努力奋斗的意思。
中国以前有很多这样的文艺作品，尤其是由学校组织了给少年儿童去看的大多可以划分到这一类里，多少次在电影院看得两眼通红地出来，觉得自己之前的几年都白活了，真不配做一个少先队员。但是我们的那些电影实在是太肃杀了，整个气氛过于激烈，以至于看上去比琼瑶阿姨的戏还起伏。也许我们的导演都要做到“文以载道”，要是轻松了，好玩了，怎么能“载道”呢？其实他们错了，用最简单和直接的方法才是小孩子喜欢的方法，比如毛主席教育我们的话“好好学习，天天向上” ，就是一个经典的深入浅出的例子，谁都看得明白，但是这里头又蕴涵了多么深切的希望啊。
看完矢口史靖的《摇摆少女》就有这样的感觉，喜剧情节、中学少女、美丽画面，让人不禁要唱出“青春啊青春，美丽的青春！”电影讲的故事按照我们以前的思路可以这样理解：一群学习成绩不好的后进女同学在暑假里为了逃脱老师辛勤加班开设的数学补习班而成为了顶替集体拉肚子的乐队的成员。但是人数不够的情况使她们只能做一个摇摆乐队而不是古典乐队。在学习乐器的过程中，她们渐渐建立了自信，也热爱上了学习，在老师的帮助下，终于努力参加了音乐节的演出，都成为了德、智、体全面发展的好同学。按通常思维，老师应该是孜孜不倦的，学生应该先是无可救药的，然后是朝气蓬勃的。但是《摇摆少女》没有这样弄，老师和学生都是傻乎乎的，所有人都有自己的小小缺点，而这些缺点在导演看来只是少女应该有的可爱之处，哪个小姑娘不爱吃个零食、偷个小懒的，这些都没什么不好啊，人家自己能努力做出像样的爵士乐，不漂亮、犯傻都没关系，拿起乐器的时候她们都很美丽。电影像漫画一样搞笑，但是始终没错过那个主题：好好学习，一定能天天向上，努力终有回报。

 
五个相扑少年（Shiko funjatta）
导演：周坊正行
主演：柄本明 清水美砂 田口浩正 竹中直人
国家：日本
日期：1992
 
周坊正行导演的这部《五个相扑少年》可能是现代派喜剧式的励志电影的开山之作吧，《摇摆少女》真的可以说成是初中女生版的《五个相扑少年》了。前者是为了拯救危机中的学校乐队，后者则是为了挽救因为没有成员而面临取消的相扑社，而两者的主人公同样都是一群由门外汉成为小高手的少年。相似的故事和结构里可以看出日本这类型影片的套路，总是在困难重重的情况下，一群原来没有关系的人凑在一起而为了一个目标努力，最后取得令人刮目相看的成功。
几个相扑少年也是因为各类无关的原因而加入相扑社，高矮胖瘦、歪瓜劣枣的，加入的目的也不同，有的是为了毕业学分，有的为了泡妞，有的为了交朋友，还有的为了免费住宿舍，但是他们还是爱上了相扑，在这个过程里，导演灌注了自己对于日本这项国技的热爱，这也是周坊正行的一个特点，总是喜欢把一个主题神化一些，这也是日本漫画里的惯用手法，像《灌蓝高手》、《足球小将》这样的题材都有这个倾向。最难得的是周坊正行在《五个相扑少年》里提出了一些大胆的突破，比如外国人参加相扑，女人参加相扑这样的情节，相信在日本这样一个相对传统保守的国家算是一个冲击。从相扑少年到摇摆少女，励志片一脉相承，走过了十三年，突出的作品并不多，因为这类电影最难的就是怎么举重若轻地把故事讲好，而不变成说教或者是无聊地自慰（讲摇滚的“Speed Way”明显就是失败之作〉。如果你正心灰意冷或者处在年龄和职业上的瓶颈时期，那么看看这两个片子，至少在精神上，你可以振作不少吧。

 
片名：谈谈情跳跳舞（Shall We Dance）
导演：周坊正行
主演：役所广司 竹中直人 渡边惠里子 田口浩正
国家：日本
日期：1996
 
周坊正行继《相扑少年》后的一部作品，延续了前作风格，把相扑转为国际标准舞，演员也基本是同样阵容，只是这次是给中年人看的励志电影，道理很简单，无论你是什么人，在另外一个舞台上，没有高低贵贱，机会面前人人平等。这部影片相对于《相扑少年》更具有绅士风度，体现了周坊正行的功力，相扑就是充满了汗味的，而国标舞就是优雅的，在这点上，两部片子都很成功地体现出主体表现的运动的韵味。这三部片子里都有演员竹中直人，他似乎是扮演失败者的专业户。

缓慢是一种腔调

 
绿草地Mongolian Pingpong
导演：宁浩
主演：达瓦 毕力格 戈利班
国家：中国
时间：2005年
 
在上海话里，有“腔调”是一种很褒义的说法，意思是有品位，有一种很牛的姿态，具体的解释很复杂，比如你很严重地惹了一个人，他很漂亮地揍了你和他很坚毅地忍住没揍你都是很有腔调的行为，关键不是行为本身，而是态度。蒙古这个词现在就是一种态度，这个态度表明的“腔调”有几点：粗矿的、淳朴的、原始的、美好的、遗世独立的、缓慢的……其实在这一点上，我们对于西藏和蒙古的态度是一样的，只是西藏更有宗教的意味在里面，而蒙古则更纯粹一些。看过宁浩同志的电影《疯狂的石头》的朋友打死也不会相信《绿草地》也是他拍的，这两个片子凑在一起就正好证明了我刚才说的那两种状态都是很有“腔调”的，一个连眼睛都来不及眨的快速，而另一个则是眼睛闭30秒接着看都没关系的缓慢。一般我家的大师级别的片子在节奏上都有缓慢的情况出现，在看到这个《绿草地》是讲蒙古的故事的时候我就知道这个片子一定是缓慢的，果然在事后证明了。整个故事很奇特，正像电影的英文名字叫“蒙古乒乓”那样，一切的故事从一个乒乓球开始，这个我们觉得特别熟悉的东西在草原上对于游牧的孩子来说像天外来客一样陌生，他们一开始以为是水里的珍珠，后来知道是国球，然后以为全国就那么几个于是决定去北京献宝，当然最后还是解开了答案。这个以三个蒙古孩子为主角的电影不是给孩子看的，哪个小朋友也受不了如此缓慢的故事演进，这是一个类似于伊朗电影那种浪潮的片子，故事、人物极端简单，完全是用一种“空”的境界来塑造整个故事的氛围。摄影上也是大全景为主，否则是拍不出蒙古那天苍苍、野茫茫。看完了，整个人都会陷进这种缓慢的节奏里面去的，这里就不说什么城市节奏太快之类的废话了，只说这种缓慢的感觉，那是一种置身事外的感觉，很多东西都变得没关系了，反正过了山还是草原，过了草原还是草原。在没有空间变化的世界里，时间也是会停止的，停止还不至于，因为那里也有了电视啊、四驱车啊什么的，但是缓慢是肯定的，慢得人都失去了平时的行为准则，可以一整天地去玩自行车轮胎套圈的游戏，但是在外人看，这就是一种极其正宗的腔调。
 

 
小黄狗的窝Mongolian Pingpong
导演：琵亚芭苏伦戴娃
主演：烏吉杜耶·巴察祿 娜莎·巴察祿
国家：蒙古 德国
时间：2005年
 
前年在内蒙古的一片草原上举行了一个摇滚音乐节，这事本身没什么好说的，只是一个朋友回来之后说，在音乐停止的时候，他坐在帐篷里看着外面的草地，脑子里一片空白，完全处于出神的状态，说好听了叫出神，难听了就是发呆，作木鸡状。能让人这么发呆的地方也就是草原了，荒漠的话只会发憷，而有山就有了变化，有变化就不呆了。看蒙古人民共和国女导演琵亚芭苏伦戴娃的电影就常常看着看着就呆那儿了，说实话，是因为节奏慢，故事是这样的：一个小女孩在草原上捡了只小狗，父亲怕招来狼不让养，小女孩就偷偷养，后来搬家的时候大人把最小的婴儿忘记了，小狗从老鹰嘴下救了小婴儿，后来的事就大团圆了。说得挺曲折的，但是除了最后一分钟有救人，前90分钟就全是日常生活了，对白都很少，电影里面的人不忙，你也就跟着不忙了起来。这样的片子一个人看比较合适，尤其是热爱大草原的朋友，全当看了风光片了，除了导演和主演，其他的工作人员全线来自德国，一流的设备和摄影技术，把草原的从清晨到夜晚的景色都真实地记录下来了，而跟《绿草地》一样的用大镜头，宽幅拍摄，其实说回来，草原放在那里，怎么拍都好看，就看你有没有能沉得住气的心了。我还没去过蒙古，说实话，看这个电影跟我想象的蒙古是一样的，刚去的时候一定特别兴奋，觉得真开阔啊，大啊，等蹦了半个小时，累了，坐那里向四周看去，朝哪里看都一样，于是唯一的选择就是发呆了，但是发呆也是能发得很美的，所以可以把发呆说成出神，让自己的神走出身体，去更远的更高的地方，或者，就彻底得呆在当下，跟牛羊一起在阳光下，听风的歌声。
 
 
 
哭泣的骆驼The Story of The Weeping Camel
导演：琵亚芭苏伦戴娃
主演：Janchiv Ayurzana Chimed Ohin
国家：蒙古 德国
时间：2003年
 
同样是在草原的大背景下拍的半纪录半故事的电影，故事简单些，讲一家的老骆驼生了一只小骆驼，但是小骆驼是白色的，跟老骆驼的肤色不一样，于是老骆驼拒绝喂奶，家里的女主人就按照风俗派自己的儿子去找来一个拉马头琴的师傅，在他的伴奏下，唱了劝奶歌，于是老骆驼潸然泪下，开始给小白骆驼喂奶了。这个并不是传说，电影里真的有骆驼哭泣的情景出现，当然那如泣如诉的歌声我听了都差点动了心，估计骆驼也能明白一二吧。能把这个奇特的风俗记录下来，并且完美得体现在整个不动声色的影片节奏中，是这个电影最牛的地方。当然，同样不能忘记说的是这个电影节奏的舒缓，很有腔调。同时在上述的三个电影里，或多或少的都提到了外界的文化对于草原游牧文化的冲击，但是这些冲击在这些电影里没有变成杞人忧天式的悲怆，而更多的以一种幽默的风格去展现冲突，这本身也是来自于蒙古民族豁达的性格，而电影也都表述出：无论怎么影响，蒙古民族身上的很多东西是没有办法改变的，这完全渗透在为人处事的各个方面（参看《绿草地》里把一个乒乓球用刀切了分给兄弟俩的情节）。

家门何处
 

片名：《过年回家》
导演：张元
主演：李冰冰 刘琳
出品日期：1999年
国家：中国
 
现在过年的意义已经越来越模糊了，吃饭、放炮、拜年，做是每年还在做，但是每年都做，对我至少也已经做了二十七、八年了。小时侯确实盼着过年，吃好的，穿好的，压岁钱什么的，最高兴的是放炮，各种恶作剧的方式都能造出来。可是年岁越大胆子越小，除了有一次喝高了把鞭炮往自己家扔了一挂之外，基本看见这样的阵仗就先躲了，压岁钱人家好意思给我也不好意思拿呀，春节晚会是好几年没敢看了，只是在屋里上网的时候听我妈在客厅里爽朗地笑。有时候索性年初一一大早就赶上火车奔北去了，不到元宵节绝不回家。总之，过年在我的心中已经基本是个跟写字一样有点烦但是又不得不去弄一下子的东西了。可是要是在小时侯误杀了自己的妹妹而被判了几十年的刑的话，那这过年就是另一种感觉了，电影中的陶兰就为了五块钱的冤枉失手杀了跟继父一起过来的妹妹，于是，她从此就只能在监狱里过年了。由于监狱的奖励政策，十七年后，她可以回家过年了，但是那个家已经杳无音讯了，也赶着回家的小警察于是带着她一路找回了家。其实电影大部分的情节都是在表现小警察带着陶兰满世界的找家的过程，也是张元一贯的灰暗、真实的风格，没有什么抒情，一切都很平实，整个电影也就说了两个字——回家。回家是那么温暖的字眼，但是，平时这个字并没有象热水袋在冬天那样暖到了心，因为外面有酒吧、哥们什么的，连过年的时候回家都有点不情愿了。离开十七年的家再进入眼帘的时候是什么感觉，要怎么面对自己曾经亲手杀死了他骨肉的继父呢？这些东西就从头到尾都揪着人的心，但是导演不着急，慢慢地把你带进那个家。虽然最后感情的升华有点突兀了，但是从最开始的苍凉和寒冷一直渐渐过度到温暖和伤感确实使整个电影感觉起来不是象北京路边的一块灰砖那么硬，而是在上面长了些湿润出来的青苔，透着一些美。看完了之后呢？回家吧。

 
片名：《爱·回家》
导演：陈可辛
主演：李贞香
出品日期：2002年
国家：韩国
 
要是比真实和冷静的话，张元从早期的《北京杂种》到《过年回家》都是一路地强硬下来的，直到《我爱你》开始才在苦茶里掺了点蜂蜜。而韩国女导演李贞香的这部《爱·回家》就完全相反，这电影从一开始就是赚人眼泪来的。故事简单：讲城里的小外孙到乡下的外婆家住，两人由隔膜渐渐产生了浓厚的感情。这样的情节我们似乎从小都看过类似的东西，比如〈应声阿哥〉这样的儿童片里就有一个城里的孩子在农村学会了吃苦耐劳的精神同时又改正了坏毛病还和农村的孩子成了很好的朋友。这样非常套路化的情节虽然有点烂，但是还是不能阻止我去看《爱·回家》，也许是为了看看韩国人怎么弄主旋律电影的吧。看了，感动了一把，眼泪掉了几颗，是因为那孩子一开始实在太混蛋，而后来真的变好了？还是因为那老太太整个人走路都要弯成九十度，而且还是个聋哑人？还是在最后伴着老人蹒跚的背影那段把电影献给天下所有婆婆的字幕？可能都不是，因为这电影的这些东西确实做到了煽情的所有的要素——老人、孩子、残疾人、文化冲突等等。我如果是站在一个影评人的角度，这电影是很普通的的，但是我站在一个感情丰富的人的角度来看，这回家的故事打动了人，那就足够了。电影的名字叫回家，那孩子被母亲带到外婆家算是找到真正的家了呢？还是他在最后离开时才是回家呢？也许有爱，哪里都是家才是对的。
 

片名：《三更之回家》
导演：陈可辛
主演：黎明、原丽淇
出品日期：2002年
国家：中国香港
 
这个回家的故事就有点不那么美丽了，尽管有大帅哥黎明的演出，有美女原丽淇的裸镜，最关键的是导演是那个曾经拍出让我感动得流泪的《甜蜜蜜》的陈可辛。其实这部电影有三个部分，香港的只是其中一段而已，还有韩国和泰国的两段，个人比较喜欢韩国的那段，当爱走失的时候，人也会跟着一起走失，而忘记家在哪里了。

镜头如刀
 
 
孩子（L’ Enfant）
导演：Jean-Pierre Dardenne / Luc Dardenne
主演：Jérémie Renier Déborah François
国家：比利时/法国
年份：2005年
 
1995年春，一群电影导演在哥本哈根宣读了一系列称之为DOGMA 95的拍摄原则，这些原则包括必须实地（景）拍摄，不可另外搭景或加道具。如果道具为必需品的话，选景时就必须找一处有该道具出现的地点，不可在影像之外加进额外的音响效果（也不允许加入配乐，除非该音乐在拍摄时同步播放）。必须采用手提摄影的方法等等。乍一看，这不是拍纪录片吗？什么事先的设计都不能用了，这样的规则至少让大部分的电影导演下课回家。自从DOGMA95的大师拉斯·冯·提尔拍出了《傻瓜游戏》这部片子，大家才知道原来这样也真的可以拍出电影来的。一时间，好多导演加入到了这个队伍里，其中拍一个就拿一个奖的就是比利时的达内兄弟。这两兄弟成名是在2000年凭《罗塞塔》一片一举拿下金棕榈，这部看完了心里极度憋得慌的片子打动了戛纳的评委，也同样用真实的力量打动了我。这两兄弟用手提的设备用力地在还原真实，恨不得把生活原样搬来。2005年的戛纳依然慷慨地把奖给了达内兄弟，这次他们带来了一样的杰作——《孩子》。故事很简单，俩本来就象孩子的年轻人生了个孩子，男的长期从事收赃卖赃的伙计，觉得没法养这孩子，没钱了就把孩子卖了，结果孩子妈不干了，报了警，男的只能把孩子要回来，可作为中介的黑社会要他赔钱，他就只能去抢劫，最后锒铛入狱。事情就发生在几天里，没有什么曲折，没紧张的配乐，全是硬切的剪辑，可是整个片子却密不透风，压迫得让人透不过气来，你随着故事在比利时小城市的街头晃动，时刻担心着每个人的命运。这时候我觉得我在看的不是一部电影而已，我在看一次手术，一次对人性解剖的手术，镜头就是手术刀，人是镜头里唯一的风景，没有任何多余的话，每句对白都那么简单，那基本不是句子，就是单词而已，但是故事的沉重却丝毫不受影响。看了之后明白了，这一刀一刀的切割下，我们看见的就是事实，导演除了这个什么都没想说，生活本来一点都不美，电影的职责不是美化生活，而是展现生活。如果是这样的话，他们应该来中国，这样的故事无数，但是我们的导演总是喜欢在事实的基础上加上自己太多的情绪，最后就是钝刀子割肉，两方面都痛苦。
 

 
红路（Red Road）
导演：Andrea Arnold
国家：英国
年份：2006年
 
因为拍摄手法简单，所以DOGMA95的片子往往用故事来取胜，这些导演往往将任务置于一个比较极端的人性两难境地里，在这样的处境下表现出人性中真实的状态和纯粹的反应。所以这些电影给人的感觉就是苦难。不知道哪个哲人说过：“苦难是生活的常态，而幸福转瞬即逝。”这当然是很悲观的说法，可是看了《红路》之后你不得不感叹，在英国生活是挺苦的。在整个电影里英国的小城市给人的感觉就是一片荒芜，可能因为取景都在郊区的缘故，感觉那里根本没有什么生活，又是秋天，苍凉得让没事的人都想哭。一个女警察的工作就是常年监看监视器，看摄像头下整个城市的生活，发现犯罪。有一天她发现了当年曾经在交通事故中撞死自己老公和女儿的肇事者出狱了，住在“红路”公寓。于是她想法接近这人，勾引他跟自己做爱，再拿石块照自己脸上来了一下子，诬陷那人强奸，算是为女儿报仇了。但是在人性善的一面的催化下又撤销了起诉。就是这样一个极端的故事，需要女演员极大的内敛和沉着的演出，没有哭天抢地，镜头冷静而简单地记录下整个过程，又是一个小刀似的片子，挖出人类内心的极点情绪来。但是可能因为是女导演的缘故，整个片子还是加了点温暖的东西。比如女警在监视器里看到一个老人的爱犬死去了。在片子结尾，她在大街上见到老人牵着新的小狗出现。在这里，导演加入了希望，象征着新的生活的开始，女警也抛弃了对死去的爱人的思念和强烈的复仇心理，真正走向新的生活。整个电影都遵循了DOGMA95的原则，但是最后导演却放了一首歌，一首温情版本的《Love Will Tear Us Apart》（爱将把我们撕裂），导演没有用冰冷的原唱，而是使用了女声的电子乐，整个结尾显得温情无限，让人完全忘却了开头的苍凉荒芜的感觉，而进入了新的世界一般，这也许就是影像的力量，它有时像刀一般割裂内心，有时又替你缝合伤口。
 
 
 
儿子（Le Fils）
导演：Jean-Pierre Dardenne / Luc Dardenne
国家：比利时/法国
主演：Olivier Gourmet
年份：2002年
 
达内兄弟2002年的作品，影像风格不变，完全手提，完全冷峻，没有一点拖泥带水。故事跟《红路》相似，讲述了一个宽恕的故事，一个木匠接收了刑满释放的少年作为自己的学徒，而这个少年当年入狱的原因就是杀害了木匠的儿子。又是一个面对仇人的两难境地，但是这个故事的结尾没有给人任何的希望和完美的结局，只是让木匠鼓起勇气告诉了少年——我就是你当初杀害的男孩子的父亲，然后故事嘎然而止，留下无数的想象空间。

镜子上的灰尘
 

片名：《超码的我》super size me
导演：摩根·斯普尔洛克 Morgan Spurlock
出品日期：2004年
国家：美国
 
做纪录片是需要勇气的，从心理上来说，作为一个纪录片导演永远不知道他会拍到什么东西，每个场景，每个被采访者的反应都是不在计划中的，唯一的计划就是作为导演一开始的主旨。对于纪录片一直存在着一种争论，就是究竟记录者应该是以一个纯粹的旁观者的角度，以摄影机作为一双眼睛去做简单的记录（甚至有人提出纪录片里不能有旁白和导演的身份出现），还是带有个人主观意图地去选择拍摄的角度甚至去寻找证明自己观点的论据？这两者都有些狭隘了点。纪录片本身就存在着很大的未知性，这一点是很难由导演自己控制的，所以导演所能做的就是记录，而后有选择地去剪辑，最后形成的东西绝对不可能不带有主观性。2004年的两部轰动性的美国纪录片《超码的我》和《华氏911》就是这样的综合性产物。要观看《超码的我》是需要有心理准备的，除非你从来没吃过麦当劳这样的快餐，吃过的话你就完全是在一种近乎于内疚和自责的心理状况中看完这个片子的。影片的导演的勇气是惊人的，他用自己的身体作为实验标本，连续30天除了麦当劳什么也不吃，最后搞得自己的身体完全崩溃，几乎患上了严重的心血管疾病，而这样对身体的某些伤害是不可逆的。他似乎是疯了，就像用自杀来明志的热血青年一样，他不惜用自己的身体来告诉世人麦当劳这样的快餐的可怕之处。当然不仅仅是这些，他走访了学校、医院、街头，当然还有麦当劳的餐厅进行调查，其结果就是让你再也不想吃那些东西了，作为一个中国人更是感叹中餐是多么地健康和科学，当然，少油少盐是前提。当一个美国孩子看到耶稣的图片说成是布什，而所有的孩子都认得出麦当劳那个著名的小丑形象的时候，你也会哈哈大笑，是的，影片一点也不严肃和乏味，而且还非常紧凑和有趣，用一个非常中国的词来说就是特别“寓教于乐”，真是特别容易深入人心，这样的方式比任何一个科学专家的讲座都来得有效果的。看着电影里那些水桶似的胖子步履蹒跚的时候，还有那切除脂肪的手术的全记录，真是胃液翻涌，吃什么都味同嚼蜡，感觉如果麦当劳的人看了非跟这导演拼命不可。那也是没办法的事情，人家就是冲着挑战的目的来的，麦当劳在电影公映之后真的取消了SUPER SIZE的销售方式，至少人家这点成功了。

 
片名：《华氏911》Fahrenheit 9/11
导演：迈克尔·摩尔Michael Moore
出品日期：2004年
国家：美国
 
《超码的我》的导演是战士，生生地把一个帅哥吃成了一个发福的中年人，而《华氏911》的导演迈克尔·摩尔就更是一个战士了，他之前的那部《科仑拜的保龄球》已经是直指美国的枪支泛滥问题了，这次他要玩得更大，跟美国总统小布什铆上了劲，把人家的家底翻了底朝天，完全不顾人家大小也是个领导。看完整个片子，唯一的感觉就是小布什是个大骗子，而全体美国人民都上了他的当了，只有迈克尔·摩尔帮你把问题搞清楚，片子同样有轻松幽默的地方，当然也有悲伤沉痛的地方，但是迈克尔·摩尔的目的实在是太明显了，一点也没有韬光养晦的意思，大有不干倒你誓不罢休的意思，对于美国人自己看这个片子的时候的感受我是很感兴趣的，因为毕竟我们只是旁人，看着人家国家的热闹自然有一种幸灾乐祸的心态在，那么迈克尔·摩尔所说的是不是就是真的呢？因为他那么强烈的政治态度让人开始了一种怀疑，就是这部纪录片是不是太主观了，是不是成了一个人表达政治观点的宣言了，那么从纪录片的角度来说，这就是一处硬伤，因为摩根·斯普尔洛克把麦当劳的“罪证”数据化、具体化了，而且他没有指着别人鼻子开骂的架势，在《超码的我》里面，揶揄和幽默占比较多的成分，最后还是数据说话，而《华氏911》的技术层面的含量明显少了很多，当然这是因为它是政治类的纪录片，但是如果一个脑子发热的人在做一件事的时候，其客观性就真的值得去怀疑了。我想之所以这部纪录片会获得嘎纳的金棕榈，可能和那些评委们一贯的反好莱坞审美观有关，本来就不喜欢美国，来了一部这样的揭自己疮疤的美国电影，当然值得给一个金棕榈以示鼓励了。我的意见是，看完了，真得问问一个美国人的看法，否则就会给另一方面的真相蒙上阴影了。如果说纪录片是镜子，那么强烈的主观倾向就是镜子上的灰尘了。

 
片名：《铁路沿线》
导演：杜海滨
出品日期：2001年
国家：中国
 
中国的这部纪录片更加真实，更加纯粹，可以说更加单纯，用家用DV拍出来的片子，镜头对准的是宝鸡市的铁路边的一群流浪儿的故事，他们收废品和垃圾，几乎也吃垃圾，小小年纪有着复杂的经历，看了之后的震撼无法用言语表达出来，可以是恶心，可以是鄙夷，可以同情，也可以是悲伤，如果你看得哭了，那么你心里的那条底线还没有和经济指数彻底划上等号。杜海滨没有任何主观的态度和看法，他只是记录了一些东西，而这些东西如果他不去记录，我们永远都不会知道。无论美好和丑恶，真实的力量永远像一块镜子那样照得世界更清楚一些。